Catalogue de ressources d'EAC et de médiation

Le pôle Éducation artistique et culturelle élabore des outils, des espaces de réflexion et des formations pour le développement de l’éducation artistique et culturelle dans toutes ses dimensions. Ces propositions sont ouvertes à toutes les personnes engagées dans des projets d’éducation artistique et culturelle et de médiation en danse. Des journées d'étude s'organisent chaque année pour aborder un sujet de réflexion sur l'EAC et la médiation de la danse. 

La journée d'étude du 14 décembre 2018 a été consacrée à la thématique "Transmettre la danse : des pratiques, des gestes, des mots". Les traces et supports à la réflexion collective sont accessibles à travers un document synthèse. 

Cette journée d’étude a permis d’approfondir les questions relatives aux pratiques pédagogiques développées pour transmettre la danse. Celles-ci sont-elles spécifiques aux savoirs transmis ou encore liées aux objectifs que l’on donne à l’acte de transmission ? Que transmettre de la danse : une technique, une pratique, un processus de recherche, une conception du monde, une sensibilité aux œuvres chorégraphiques ? Quel est le rôle du verbal et du non verbal dans la transmission de ces savoirs de la danse ? Par la pratique et l’analyse de transmissions par des danseurs et des médiatrices ainsi que par des ateliers de réflexion, une carte des pratiques de transmission de la danse a été co-construite tout au long de la journée.
Observer les pédagogies à l’œuvre dans les parcours d’éducation artistique et culturelle, mettre en perspective les modalités de transmission avec d’autres champs de savoirs, interroger les postures de chacun, tels ont été les objectifs donnés à ce temps d’échanges.
 

Imaginé comme un format d’interviews croisées, trois binômes artiste-médiatrice se retrouvent et échangent sur leur expérience d’Assemblé et les méthodologies qu’ils y ont construites. 
 

Assemblé est un dispositif de médiation du Centre national de la danse créé en 2020, en écho à 1 km de danse, fête de la danse à Pantin. De 2020 à 2025, Assemblé a convié chaque année des habitants d’une ville à se rencontrer, partager des danses et créer une danse collective.

L’échangeur - Centre de Développement Chorégraphique National est un lieu d’accueil, une maison pour les artistes, pour cet autre qui n’est pas moi, cet autre que je ne connais pas, cet autre que parfois je ne comprends pas. L’autre qui habite ailleurs, dans une autre région, dans un autre pays ou sur un autre continent. L’échangeur est un lieu de résidences, de formations et de rencontres, avec l’envie de partager une tentative de comprendre le monde dans lequel nous vivons.
Sous la forme d’un module pédagogique, la formation Le parcours chorégraphique en 10 principes est conçue autour d’un parcours chorégraphique reprenant les trois piliers de l’éducation artistique et culturelle. Les participantes et participants vont vivre trois temps forts : une pièce chorégraphique, Faire soi.e de Bérénice Legrand, un atelier de pratique artistique autour de ce spectacle et un temps de réflexions et d’échanges sur l’enjeu des parcours chorégraphiques autour de dix principes portés par une médiatrice ou un médiateur et un référent ou une référente de l’Éducation nationale. Ces dix principes ont été formalisés afin de donner des fondamentaux que chacune et chacun pourra décliner pour concevoir un projet en cohérence avec sa pratique, son contexte et ses opportunités de rencontres.
 

Créé en partenariat avec le Musée royal de Mariemont en Belgique, Ricochet est un outil transférable qui permet aux enfants de s’approprier les espaces et collections de lieu culturel qu’ils et elles visitent, avec les adultes qui les accompagnent. Constitué de 51 cartes de format A5, à manipuler, lire, mélanger, étaler... il est divisé en 8 thématiques liées à l’observation de terrain qui favorise une approche corporelle et sensible.

Ricochet engage les adultes dans une démarche démocratique et collaborative avec les enfants. L'attitude pédagogique est ascendante plutôt que directive : elle part du point de vue et des perceptions des enfants, plaçant l'adulte dans une posture d'écoute active.
 

La figure de l’« amateur » est multiple, voire contradictoire. Elle intensifie et trouble les notions de travail, de création et de transmission, d’expertise et d’expérience. Elle déplace et transforme les normes et les catégories esthétiques, éthiques, politiques, qui sont à l’œuvre dans le spectacle et dans la pratique de la danse contemporaine. Des chœurs de mouvement aux expérimentations les plus récentes, selon l’âge, les identités et les appartenances, les lieux et les dispositifs, le corps du danseur amateur peut être à la fois ordinaire – ni virtuose ni en représentation, mais humainement présent – et extraordinaire, surprenant, témoin d’« autre chose ». 
Ouvrage collectif, Corps (in)croyables propose un ensemble d’analyses qui tentent de saisir la fragilité diverse de ces figures d’« amateurs », tout en mettant en question les pratiques dans lesquelles elles entrent en jeu.
Ouvrage publié sous la direction de Michel Briand, professeur de langue et littérature grecques à l’université de Poitiers, laboratoire EA 3816 FoReLL (« Formes et représentation en linguistique et littérature »), auteur notamment de travaux sur la performance rituelle ou spectaculaire dans l’Antiquité et sur les références antiques dans la danse contemporaine.
 

Depuis 1984, l’association bruxelloise Contredanse oeuvre pour la danse. Rendre visible, documenter, préserver, publier, informer, partager, organiser formations et événements sont autant de ses activités.
Nouvelles de Danse est un magazine semestriel et média numérique consacré à l’information et à la réflexion critique sur la danse. À travers des reportages, des entretiens, des dossiers thématiques et des analyses approfondies, il s’adresse à toutes les personnes impliquées dans la danse ou désireuses de la découvrir dans ses multiples facettes.
Kids, demi-portions, têtes blondes, rousses ou brunes… Place aux enfants pour cette livraison de Nouvelles de Danse avec un cahier spécial pour semer des graines de danse. Sarah Colasse, directrice du CDWEJ, la journaliste et enseignante Martine Dubois, la philosophe Marie-Hélène Popelard nous éclairent sur la danse jeune public. Et aussi un entretien avec la chorégraphe Maria Clara Villa-Lobos et l’actualité kids du trimestre. Au sommaire également, un dossier qui part sur les traces de Mudra, l’école de Béjart…

 

En s’appuyant sur l’appareil conceptuel de G. Simondon, l’article analyse le pouvoir transformatif des pratiques artistiques. Pour cela, il montre comment la dynamique propre aux images nourrit la relation au monde et à soi en permettant le changement. En effet, une image opère successivement comme structure d’appréhension du réel, objet perçu, souvenir synthétisant l’expérience, et représentation mentale générale structurant à son tour les expériences futures, dans ce qui apparaît comme un «cycle de l’image». L’analyse d’un projet d’éducation artistique en danse conduit par une artiste montre comment la pratique corporelle, la présentation d’oeuvres, comme la relation avec l’artiste elle-même, permettent la formation d’images qui sont à même d’engager les élèves dans des processus transformatifs.
 

La Direction générale de la création artistique (DGCA) - Délégation à la danse, la Direction générale de la démocratie culturelle, des enseignements et de la recherche (DGDCER) portent conjointement un chantier interministériel sur la danse en milieu scolaire, en collaboration avec le ministère de l’Education nationale et ses services de la DGESCO, et en association avec le Centre national de la danse (CND). 

Ce chantier autour de la Danse en milieu scolaire vise à créer et animer des espaces de réflexion et de concertation intersectoriels (culture et éducation) afin de partager des ressources, des diagnostics, de questionner différents thèmes et de documenter la place et de la pratique de la danse en milieu scolaire. 
Ainsi, une journée d’étude organisée avec le concours de l’Agence nationale de la recherche a réuni des universitaires, chercheurs, professionnels, artistes et pédagogues afin d’explorer les apports bénéfiques liés à la pratique de la danse chez l’enfant dans les projets d’éducation artistique et culturelle. Ce film présente des instantanés d’échanges qui se sont tenus. 

Comment penser l’effet éducatif des pratiques liées à la danse ? L’article propose d’interroger cet art à partir d'une certaine compréhension des élèves qu’apporte Jacques Lévine (1923-2008). Héritier de Wallon et psychanalyste, Lévine offre un appareil notionnel pour penser la subjectivité et les conditions de son développement : cette perspective anthropologique éclaire les pratiques d’éducation artistique. On présentera en particulier le modèle du « Moi-Maison » où équilibre et tonicité psychiques résultent de la complémentarité entre des parties du Moi hétérogènes et en tension. Cette construction fragile est décrite par l’image des niveaux complémentaires d’une maison : « Moi de la cave », « Moi social » et « Moi du grenier ». La danse pourrait alors contribuer à consolider le Moi en développant chaque niveau. En comprenant les besoins du moi et les dynamiques d’affiliation des élèves, il devient possible d’interroger les enjeux des situations d’enseignement comme le montre l’analyse d’une situation de classe.
Cet article s'appuie sur l'observation du dispositif Constellation du Centre national de la danse. 
 

L’éducation artistique et culturelle (EAC) cherche une éducation à et par l’art, réalisée dans la succession de projets s’inscrivant dans des parcours (« Parcours d’éducation artistique et culturelle »). À distance des enseignements disciplinaires, les projets recherchent rencontres et pratiques en lien avec la structuration de connaissances. Qu’espérer de tels projets ? L’article se fonde sur une observation menée dans un atelier « Danse » et rend compte des évolutions du comportement d’un élève, d’une attitude de repli vers une première adhésion. Il propose d’interpréter ce déplacement et les actions d’enseignement qui ont pu le permettre à partir de la notion de « milieu rythmique ». Cette notion mobilise les champs de l’esthétique, de la didactique et de la philosophie du travail (Canguilhem, Schwartz). Elle éclaire l’EAC comme jouant conjointement sur l’ouverture culturelle et le retour réflexif, en impliquant des dimensions hétérogènes et complémentaires. L’EAC, en construisant un milieu rythmique pour l’élève, l’aide à s’ouvrir à l’expérience culturelle.
Cet article prend appui, entre autres, sur l'observation du dispositif Constellation du Centre national de la danse. 
 

À travers une démarche expérimentale depuis sa création, le dispositif est testé, débattu et ajusté avec l’ensemble des professionnels participants ainsi qu’un enseignant-chercheur en Sciences de l’Éducation qui soutient l’analyse des situations. 
Au sein de la revue Recherche en danse n°11, l’entretien proposé présente les enjeux du dispositif ainsi que les questions et les premières réponses apportées en croisant le regard de différents participants : Julie Gouju, artiste chorégraphique, Charline Bidault, chargée d’éducation artistique et culturelle et médiatrice, Fanny Delmas, responsable du pôle éducation artistique et culturelle et médiatrice au CN D ainsi que Sylvain Fabre, chercheur associé.
 

Créé en 2018 par le Centre national de la danse (CN D), « Constellation » est un dispositif d’éducation artistique et culturelle (EAC) qui permet aux jeunes, quels que soient leur âge et leur situation, de découvrir l’univers de la danse et d’y trouver appuis et ressources pour leur développement personnel. Il se caractérise par sa durée longue, pour un total de quarante six heures au cours d’une année, ainsi que par la complémentarité entre pratiques de danse, ateliers de médiation, spectacles et conférences. 

Ce guide à destination des équipes-projets présente les principes de Constellation et ses modalités d’action. En reprenant la structure du carnet des élèves, il nourrit les questionnements des équipes éducatives, artistes et médiateurs et les accompagne tout au long du parcours.
 

Constellation a été créé en 2018 par le Centre national de la danse. Ce dispositif d’éducation artistique et culturelle permet aux jeunes de découvrir l’univers de la danse et de partager une expérience artistique à travers une question-thématique commune : « Comment j’habite mon corps par la danse ? »

 

Depuis 2003, la Briqueterie-CDCN du Val-de-Marne édite une revue dédiée à la danse et aux professionnels du milieu chorégraphique. D’abord intitulée Adage, elle est devenue Repères, cahier de danse jusqu'en 2021. En mars 2023, la revue évolue et s’appelle désormais Cahiers de danse.
Ce numéro Danse et soins puise son inspiration dans la présence croissante de projets chorégraphiques au sein des services de soins. Il questionne le rôle de la danse dans ces espaces, l’engagement des équipes artistiques et médico-sociales dans le mieux-être des patients. Il ne s’agit pas seulement d’accompagnement thérapeutique, mais de situer la danse dans toutes les strates de la vie. À travers les témoignages des artistes, soignants et participants, la revue esquisse cette histoire encore peu documentée : celle d’une exploration du corps à travers différents états, pour retrouver un équilibre et faire vivre son imaginaire…
 

Depuis 2003, la Briqueterie-CDCN du Val-de-Marne édite une revue dédiée à la danse et aux professionnels du milieu chorégraphique. D’abord intitulée Adage, elle est devenue Repères, cahier de danse jusqu'en 2021. En mars 2023, la revue évolue et s’appelle désormais Cahiers de danse.
Pour son premier numéro, Cahiers de danse s’intéresse au jeu. Si cette thématique nourrit l’actualité sportive alors que le breakdance devient une discipline olympique, jouer embrasse pourtant des activités très diverses – athlétiques, certes, mais aussi ludiques et relationnelles. En trois sections – « Du pain et des jeux », « Plateau de jeu » et « Hors-jeu », la revue propose quelques repères sur l'histoire des rencontres entre les corps sportifs, les dispositifs ludiques et les gestes des danseurs. Comment les artistes puisent-ils sur les pelouses des terrains ou dans la clameur des stades de nouveaux imaginaires chorégraphiques ? Simultanément, le jeu devient l’un des supports pédagogiques privilégiés pour transmettre la danse : quels savoir-faire engage-t-il, et quelles expériences suscite-t-il ? Le jeu révèle alors ce qui déborde ou excède la danse : des gestes invisibles ou interstitiels, des catégories binaires à déstabiliser, des œuvres qui troublent l’attention des spectateurs.